El Centre Pompidou Málaga muestra formas de mirar el arte
>> La nueva colección semipermanente propone un recorrido libre y sensorial por los siglos XX y XXI y podrá visitarse hasta el 31 de enero de 2027
María Esther Beltrán Martínez
Corresponsal en España
Málaga, España.- El Centre Pompidou Málaga, uno de los museos más visitados de la Costa del Sol, sigue recibiendo con éxito visitantes para disfrutar de la reciente colección semipermanente “To open Eyes. Miradas de artista”, que permanecerá hasta el 31 de enero de 2027.
Valentina Moimas y Anne-Charlotte Michaut, comisarias de la exposición, explican que la muestra ofrece un viaje libre por los principales movimientos, rupturas y replanteamientos del arte de los siglos XX y XXI, y está estructurada en seis secciones que abordan grandes temas universales desde una óptica crítica, sensible y contemporánea.
“Tomando como punto de partida una declaración de Josef Albers en 1940 –artista y profesor de origen alemán que entonces residía en Estados Unidos–, que afirmaba que el arte nos enseña a «aprender a ver y sentir la vida», esta exposición propone una reflexión sobre cómo los artistas nos animan a desplazar la mirada y a transformar nuestra relación con el arte, la sociedad y el mundo. La muestra se aleja de un recorrido cronológico o narrativo tradicional para centrarse en rimas visuales, formales y temáticas, lo que permite establecer conexiones entre obras de distintas épocas, técnicas y contextos culturales, reflejando la riqueza y diversidad de las colecciones del Museo Nacional de Arte Moderno francés”, indica sin perder la sonrisa Moimas.
En un recorrido en compañía de Valentina descubrimos que cada sección presenta obras, en su mayoría abstractas o conceptuales, que cambiaron la idea tradicional de lo que es una obra de arte y se alejaron de las modas o estilos dominantes de su época. Un rasgo común entre artistas como Josef Albers, Marcel Breuer, Paul Klee o László Moholy-Nagy es que todos pasaron por la Bauhaus, que transformó el arte moderno en la primera mitad del siglo XX.
El cuerpo humano —ya sea representado de forma majestuosa, fragmentada, distorsionada o apenas sugerido— es el tema principal de esta parte de la exposición. El video de Judy Chicago se hace eco de la enigmática pintura de Juliette Roche, poniendo de relieve las emergentes consideraciones ecofeministas de la época.
La sección Gestos / Huellas presenta el cuerpo a través del gesto y la performance. En Estados Unidos, los años 50 estuvieron dominados por el expresionismo abstracto, una corriente pictórica asociada al compromiso físico del artista y liderada por Jackson Pollock. Al mismo tiempo, Claire Falkenstein empezó a crear obras que anunciaban lo que se llamaría “abstracción excéntrica”.
“En los años 70, el uso del cuerpo en el arte llegó a su punto más alto con la performance y el body art, en obras de artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramović y Ulay, o Sonia Andrade. En la actualidad, Alice Anderson desarrolla un trabajo de instalación en la que el gesto performativo ocupa un papel central en el proceso creativo”.
El trabajo museístico es muy bueno: las obras están colocadas de tal manera que no roban espacio, luce cada pieza y capta la atención. Los colores de la sala están muy bien y la luz es adecuada. Continúa Espiritualidades / Sincretismos, donde las obras, misteriosas o espectrales, muestran una mezcla entre tradición y modernidad. Louise Nevelson crea una síntesis entre primitivismo y arte moderno, mientras que Mathias Goeritz, inspirado en las culturas precolombinas, reafirma la importancia de la emoción en el proceso creativo.
En Ficciones / Proyecciones, el arte refleja deseos utópicos y visiones de un futuro idealizado. Así ocurrió en los años 60, una época marcada por el hedonismo, los avances tecnológicos y el imaginario de la conquista espacial. El diseño se definía por la ola pop (Pierre Paulin) y una estética futurista (Olivier Mourgue), mientras que Kiki Kogelnik hablaba de “space art” para describir su obra.
La sección Espacios / Revelaciones aborda la relación entre la obra, el espacio y el espectador, esencia del arte minimalista cuyos principios fueron teorizados por Donald Judd: neutralidad, objetividad y rechazo de toda expresividad. Sin embargo, esta aparente sencillez no puede liberarse de la subjetividad del espectador. La escultura de Judd revela tensiones, mientras el Mirror Vortex de Robert Smithson propone una experiencia espacial. También destacan las instalaciones de Louise Bourgeois, el negro cuadro de Pierre Soulages y la Tabula de Simon Hantaï, que abren al público a experiencias meditativas y expansivas.
En esta exposición se podrán encontrar obras de artistas como Marina Abramović y Ulay, Paul Klee, Jackson Pollock, Donald Judd, Louise Bourgeois, Mathias Goeritz, Carolee Schneemann, Josef Albers, Marcel Duchamp, Pierre Soulages, Kiki Kogelnik, Simon Hantaï, Robert Smithson, Haegue Yang, entre muchos más.
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